Chào mừng bạn đến với blog chia sẽ gtvttw4.edu.vn trong bài viết về Tranh đơn sắc chúng tôi sẽ chia sẻ kinh nghiệm chuyên sâu của mình cung cấp kiến thức chuyên sâu dành cho bạn.
Những người đến bảo tàng và dễ dàng cười cợt trước những bức tranh đơn sắc là ví dụ tuyệt vời cho sự phản ứng của dân chúng đối với nghệ thuật hiện đại và đương đại: “Chẳng phải ai cũng làm điều đó được sao?”. Đối với một số người, để tạo ra tác phẩm như vậy chỉ cần một thùng sơn và nhiều nét vẽ. Nghệ sĩ Richard Prince đã biến thể loại tranh này thành hẳn truyện cười khi, cuối những năm 1980 và đầu thập niên 1990, ông in lụa văn bản hài hước trên phông nền đơn sắc. “Monochromatic Jokes” (Những truyện cười đơn sắc) của nghệ sĩ khiến bất kỳ người xem nào biết chữ đều thực sự có thể “đọc” được tranh đơn sắc.
Trong phong cách này, giá trị của bức tranh đơn sắc thường nằm ở những ý tưởng mà người hoạ sĩ đề ra hơn là trình độ kỹ thuật của họ. Theo Leah Dickerman, người phụ trách tại Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại, một bức tranh đơn sắc “tốt ở những câu hỏi mà nó đặt ra.” Năm 1998, bà đã phụ trách một cuộc triển lãm cho tác phẩm của Aleksandr Rodchenko, người đã tạo ra những bức tranh không mang tính tượng trưng đầu tiên vào năm 1921: Pure Red Color (màu đỏ thuần); Pure Blue Color (màu xanh thuần); và Pure Yellow Color (màu vàng thuần). Bằng cách vẽ những khối màu cơ bản cố định, ông đã đưa hội hoạ về yếu tố quan trọng nhất của nó: một màu tinh khiết và duy nhất. Dickerman nói, Rodchenko đã đặt ra câu hỏi, “‘Có những cách nào để chúng ta có thể hiểu được một bức tranh trong khi nó được chế tạo giống như bất kỳ bức nào khác?’ Tranh đơn sắc tạo nên câu hỏi đó, và vật liệu làm nên bức tranh rất hữu hình.” Nếu những khái niệm này có vẻ mang tính học thuật hoặc chuyên môn, Rodchenko lại có ý định chứng minh điều ngược lại. Ông tìm cách làm sáng tỏ hội hoạ, cho thấy nó cũng cơ bản và trần tục như bất kỳ hoạt động nào khác của tạo vật.
Vào giữa thế kỷ 20, nghệ sĩ Ad Reinhardt đã loại bỏ tất cả dấu vết của hình tượng trong những bức tranh đơn sắc đen thuần mà ông đã bắt đầu từ khoảng năm 1953 đến năm ông qua đời 1967. Bị ám ảnh với độ chính xác và độ nhớt sơn, người nghệ sĩ thậm chí đã phủ lên những lớp bề mặt màu đen và cố gắng loại bỏ những điệu bộ biểu hiện sáng tạo của riêng mình. Các sản phẩm chính thức, những bức vẽ để cho người xem nhìn vào một khoảng trống tối và (Reinhardt hy vọng) đặt câu hỏi về sự tồn tại của chính mình. Ông đã từng tóm gọn sức mạnh của sự trừu tượng vào trong một bức tranh biếm hoạ. Một người xem bộ sưu tập chế giễu một bức vẽ trên tường: “Ha ha cái đó đại diện cho cái gì?” Bức vẽ sống dậy, giận dữ trả lời, “Anh đại diện cho cái gì?”
Một người xem bộ sưu tập chế giễu một bức vẽ trên tường: “Ha ha cái đó đại diện cho cái gì?”
Bức vẽ sống dậy, giận dữ trả lời, “Anh đại diện cho cái gì?”.
Việc hướng hội hoạ đến ý tưởng hơn là sự thể hiện tính thẩm mỹ đã có tác động lớn đến Nghệ thuật tối giản và Nghệ thuật ý niệm của các thế hệ tương lai. Không phải là người xem nhẹ những thành tựu của mình, Reinhardt gọi loạt tác phẩm này là những bức tranh cuối cùng mà bất cứ ai cũng có thể thực hiện. Ông cảm thấy bản thân đã đưa phương tiện này đến phần kết thúc hợp lý. Đáng chú ý hơn, Rodchenko trước đó cũng đưa ra quan điểm tương tự. Lịch sử của tranh đơn sắc nhìn chung toàn những nhân vật (chủ yếu là nam) thích hạ thấp những thành tựu nghệ sĩ khác và tin rằng họ là người đạt được thành công trong nghệ thuật.
Không lâu sau khi Reinhardt bắt tay thực hiện những bức tranh màu đen của mình, nghệ sĩ Robert Ryman thu hẹp bảng màu của mình về còn màu trắng. Năm 1955, ông trưng bày những gì ông coi là tác phẩm chuyên nghiệp đầu tiên của mình, khẳng định sự quan tâm của mình trong việc sử dụng một màu duy nhất với Orange Painting (Bức tranh cam). Ryman cuối cùng chuyển sang sử dụng màu trắng vào cuối thập kỷ này do bị thu hút bởi sự tương tác phức tạp của màu trắng với khung, tường, những bề mặt, và ánh sáng. Những “màu trắng” của ông ta dường như pha trộn với nhiều tông màu, mời gọi người xem tìm kiếm với những cái nhìn dài và trầm tư. Cả Ryman và Reinhardt đều chọn mặt vải hình vuông để vẽ lên. Đó là hình dạng trung tính, không như một hình chữ nhật, hình mà có thể dễ dàng hơn gợi lên những liên tưởng khác: một bức chân dung, phong cảnh, cánh cửa, hoặc cửa sổ.
Xem thêm:: Cây tre trăm đốt [Truyện tranh cổ tích] – Truyện dân gian
Vật liệu đa dạng của Ryman – giấy lọc Chemex và giấy glassine (giấy trắng đục chống dính) – khiến cho những tác phẩm của ông không những có giá trị về màu mà còn là những gì nằm bên dưới nó (cách hai thứ tương tác như thế nào). “Ryman không bao giờ tự coi bản thân là một là một họa sĩ đơn sắc,” chủ tịch Pace Gallery, Susan Dunne, người tổ chức chương trình “Robert Ryman: Những bức tranh” nói. “Ông vẽ ánh sáng. Ngay cả khi tưởng như đó là màu trắng thì nó cũng có nhiều sắc tố khác nhau trong màu trắng. Ông ấy sử dụng màu sắc của mặt vải, khung căng, tất cả mọi thứ.”
Nếu Ryman và Reinhardt đã gắn liền với những bức tranh đơn sắc trắng và đen, họ đã cùng chung một vị tiền bối mà không ai ngờ đến: Robert Rauschenberg. Có lẽ được biết đến nhiều nhất qua những bức in lụa giàu chi tiết và một bộ sưu tập mà đặc trưng là con dê nhồi bông giữa chiếc lốp xe ô tô bằng cao su (Monogram, 1955-1959), người nghệ sĩ đã thử nghiệm với những hình thức đơn giản trước đó trong sự nghiệp của mình. Từ chối điệu bộ táo bạo mang chủ nghĩa cá nhân của Trường phái biểu hiện trừu tượng, Rauschenberg lấp đầy bức tranh màu đen bằng những tờ báo nhàu nát – vật liệu hàng ngày rẻ tiền. Trong những bức tranh màu trắng của mình, ông bất chấp quy định về nguồn tác giả mà cho phép bạn bè cũng như những người tình của mình (bao gồm Cy Twombly) cùng tạo ra, làm lại và sơn lại một vài trong số những tác phẩm đó của ông. Đáng chú ý hơn, các tác phẩm này đã làm động lực cho nhạc sĩ John Cage tạo ra “phiên bản thính giác” của riêng ông về đơn sắc: 4’33” (1952), trong đó chỉ có duy nhất là sự im lặng. Ở đây, theo lời Dickerman, việc thiếu bản sáng tác sẽ dẫn sự chú ý quay trở lại yếu tố chính của âm nhạc: thời gian.
Cùng lúc Rauschenberg, Ryman và Reinhardt thử nghiệm với tranh đơn sắc, sự quan tâm đến loại hình này cũng đồng thời nở rộ tại Hàn Quốc. Từ những năm 1960 qua suốt năm 1980, phong trào Dansaekhwa (dịch ra là “tranh đơn sắc”) ở Hàn Quốc đã tạo ra nghệ thuật bằng việc tập trung vào những yếu tố cơ bản, quan trọng. Park Seo-Bo tạo ra series “Ecriture” của mình bằng cách vẽ những đường nét tinh tế lên trên sơn ướt màu trắng, rồi sau đó sơn lại, tạo nhịp điệu và hiệu quả chất liệu lên tác phẩm.
Những bức tranh đơn sắc màu trắng của Chung Sang-Hwa tận dụng việc lặp đi lặp lại một quá trình. Ông phủ mặt vải của mình với keo, nước và đất sét cao lanh rồi sau đó lột những chất liệu đó ra. Ông lấp đầy những phần trống với sơn acrylic, sau đó lặp lại quá trình này. Ban đầu, những bức tranh trông có vẻ đơn giản, chúng khiến người xem có ấn tượng sai lầm về quá trình tạo thành, nhưng sẽ trở nên càng rõ ràng hơn khi ngắm càng lâu. Những thành quả của Dansaekhwa đã trở nên đáng chú ý hơn trong các phòng triển lãm tại New York nói riêng và sự uyên thâm của Nghệ thuật Mỹ nói chung trong vòng mười năm trở lại đây. Tuy nhiên, sự vắng mặt của chúng trong những bài giảng về lịch sử nghệ thuật phương Tây trong một quãng thời gian dài là một lời nhắc nhở rằng tranh đơn sắc và tranh trừu tượng nói chung, hầu như khó phát triển trong vòng xoáy tập trung vào Nghệ thuật Châu Âu.
Ban đầu, những bức tranh trông có vẻ đơn giản, chúng khiến người xem có ấn tượng sai lầm về quá trình tạo thành, nhưng sẽ trở nên càng rõ ràng hơn khi ngắm càng lâu
Xem thêm:: Vẽ Tranh Mẹ Của Em Đơn Giản, Ý Nghĩa Đẹp Cho Học Sinh
“Những bức tranh đơn sắc thường là trường hợp thử nghiệm, thúc đẩy giới hạn của hội hoạ như cách nó được hiểu ở những khoảnh khắc và những vị trí khác nhau” Dickerman nói. Reinhardt tìm kiếm sự cự tuyệt tột độ trong hội hoạ, từ chối màu sắc, đường nét và bố cục. Ryman luôn kích thích người xem quan sát những biến đổi vô hạn của một màu duy nhất (có lẽ chính xác hơn, là sắc thái mà lẽ ra không có sự xuất hiện của màu sắc) lâu nhất có thể.
Dickerman tiếp tục, “Vì vậy, cách tốt nhất theo tôi, một bức tranh đơn sắc nên cho chúng ta thấy điều gì đó về hội họa mà chúng ta chưa từng nhìn thấy trước đây, xác định bản chất của nó theo một cách mới. Điều đó cũng có nghĩa là, theo một số nguyên tắc cơ bản, những bức tranh đơn sắc không đứng tách riêng, mà nó cũng nằm trong mối quan hệ với hội họa là nền tảng.”
Điều này cũng có thể giải thích cho lý do tại sao nhiều nghệ sĩ không muốn coi bản thân là “họa sĩ đơn sắc” – họ thấy mình đang trong một cuộc đối thoại rộng lớn hơn việc chỉ miêu tả một màu duy nhất.
Nghệ sĩ đương đại Jessica Dickinson cũng bác bỏ danh hiệu này. “Tôi là một người nghệ sĩ thỉnh thoảng làm ra những bức tranh mà trở thành đơn sắc ”, bà nói. Cũng giống như Ryman, tuy nhiên, bà quan tâm đến “tốc độ” của bức đơn sắc, hoặc cách nhận thức của người xem thay đổi khi càng dành nhiều thời gian ngắm bức tranh. Dickinson làm việc một cách chậm rãi và mất đến vài tháng (đôi khi hơn một năm) để hoàn thành một bảng màu duy nhất. Bà tích tụ đá vôi polymer, sau đó dần dần chồng lớp sơn dầu lên. Trong lúc làm việc, bà đục hoặc khắc lên bề mặt cho những bức tranh của mình mang cảm giác đau khổ và suy tàn – một dấu hiệu của thời gian. “Tôi đưa bức tranh của mình qua các giai đoạn và các sự kiện khác nhau”, bà mô tả. “Màu sắc là kết quả của tất cả các sự kiện nó trải qua.”
Xem thêm:: Ý nghĩa tranh đồng quê lúa chín treo tường là gì?
Càng ngày càng có nhiều nghệ sĩ và giám tuyển trẻ sử dụng tranh đơn sắc để khám phá “màu sắc” theo một nghĩa tượng trưng hơn, đề cập đến những vấn đề về bản sắc và cá tính. Trong năm 2016, người phụ trách Adrienne Edwards đã tổ chức triển lãm mang tên “Blackness in Abstraction” (Sắc đen trừu tượng) tại phòng tranh Pace, sử dụng những bức tranh đơn sắc đen nhấn mạnh vào sự triển vọng của gam màu này. Wangechi Mutu đã vận dụng giấy màu đen trên tường, trong khi Ellen Gallagher có đặc trưng là nhắc đến tác phẩm của Malevich trong những bức tranh của riêng mình.
Đâu đó ở New York, nghệ sĩ Alteronce Gumby hy vọng có thể “định nghĩa lại màu sắc thành sắc thái”, ông nói với Artsy. Ông vẽ bằng tay những bức tranh đơn sắc với nhiều lớp và pha trộn sơn màu đen của mình kết hợp với nhiều sắc thái khác nhau. “Tất cả những điều đó thêm vào trải nghiệm về cách chúng ta xây dựng thương hiệu hay cá tính của mình”, ông nói. Lấy ví dụ là Wakanda (2017), một quốc gia châu Phi hư cấu đang thịnh hành trên Twitter hiện nay nhờ vào bộ phim Black Panther. Thoạt nhìn qua chỉ thấy bức tranh toàn màu đen. Nhìn gần hơn, kỹ hơn thì những màu hồng, xanh da trời, xanh lá cây sẽ bắt đầu xuất hiện.
“ Thoạt nhìn qua chỉ thấy bức tranh toàn màu đen. Nhìn gần hơn, kỹ hơn thì những màu hồng, xanh da trời, xanh lá cây sẽ bắt đầu xuất hiện ”
Tác phẩm của Gumby cho thấy rằng tranh đơn sắc sẽ tiếp tục phát triển vì các nghệ sĩ đang cố bắt kịp với những thay đổi không ngừng với các đề tài thẩm mỹ, xã hội và tự sự. “Tôi nghĩ rằng những gì làm cho một bức tranh đơn sắc sơn tốt là những gì làm cho bất kỳ bức tranh nào tốt”, ông nói. “Liệu nó thay đổi cách nhìn của tôi với thế giới xung quanh?”
“ … Những gì làm cho một bức tranh đơn sắc sơn tốt là những gì làm cho bất kỳ bức tranh nào tốt. Liệu nó thay đổi cái nhìn của tôi với thế giới xung quanh? “
Tác giả bài viết: Alina Cohen. Dịch bởi: Quỳnh Mai – Out and Out Truyền Thông Nghệ Thuật
